戛纳影节宫，德彪西放映厅内，《1951》放映的进度与华国的首场试映差相仿佛。
波拉克此刻的心态，早已不复一开始的漫不经心。
与只是电影爱好者的米图相比，他的鉴赏力和知识层次都是专家级别，阅片量更是超出n个数量级。
因此，他对指挥所这场“夜戏”的感知，要更为纤细入微，也更为如痴如醉。
在他看来，电影的开幕戏固然拍摄难度更大，论到技巧和意境却不足以令他动容。
不管是长镜头，还是时间冻结，都不算什么新鲜东西，只能说该片导演在前人基础上有所创新。
但指挥所的这场戏，不看字幕，他依然能够清晰地把握到演员想要传递给自己的情绪。
如此阴暗的环境，如此克制的表演，如此自然的运镜，搭配组合之后构建了一种极简的镜头美学。
正所谓细节处见真功夫，几分钟的一段戏，代表着导演、演员、摄影、灯光、美术、妆造等几乎所有部门的深厚底蕴。
他的兴致一下子被调动起来，既有的刻版印象一扫而空，对电影接下来的发展开始有所期待。
如果这种极简的美学风格不是昙一现，而是能够一直延续下去，那可就有些意思了。
作为坚果的知名影评人，他多次受邀担任欧洲三大电影节的评委，参展的华语电影看过很多部，其中的绝大部分都被他归为不成熟的作者电影。
“作者”的定语完全中性，虽然波拉克本人出自商业氛围浓郁的好莱坞，但他其实是个反贼，内心对文艺片更为推崇，也从来不反感导演过度甚至失控的主观表达。
至于另外一个定语“不成熟”，在他的个人语境中同样属于中性词，指的不是导演技法不成熟，而是其创作目的不成熟。
这指代的是导演对自身表达方式的某种不确定心态，创作时更多出于艺术直觉而不是艺术自信，反映的是其对自身表达边界的不满足，希望借此进行探索与尝试。
体现到作品中，就是各种晦涩、杂糅、多元乃至混乱的主题和意象，常态性地给正常叙事带去负面影响。
波拉克理解进而赞赏作者型导演的试验和探索，但是不包括大部分华国导演。
因为以他对华国参赛影片的观感，除了少数几个真正的大师，剩下的大多是跑来镀金的。
他们的“不成熟”都是为了不成熟而不成熟，打着试验和探索的幌子故弄玄虚。
拾人牙慧，毫无创见。
大荧幕上，两个主演一前一后在战壕中前行，稍微扫两眼字幕，波拉克就可以根据演员的表演，感知到两人对话的大致意思。
演员的表演当然很到位，但更让他赞叹的还是摄影师的运镜与导演的构图，每一次镜头运动都不显突兀，同时又刚好捕捉到最能够展现演员情绪的角度。
这究竟是大量练习生成的天然默契，还是精心预演下的熟能生巧呢？
穗城，星汇影院8厅，因为订票bug预留的额外加场，落后试映场15分钟开始了放映。
开场炮声一响，护士姐姐就敏感地注意到，坐在她旁边的李政委身体瞬间紧绷。
护士担心地侧头观察李玉成的脸，平日里一贯木然的脸此刻无比地生动，眉头微微皱起，眼睛半眯不眯，在大荧幕光线的反射下熠熠生辉。
她再也没有心思看电影，把一大半的精力放到老人身上。
今天临出发之前，主管医生反复跟她交待，一定不要让李老太过激动。
大屏幕上，卡车停稳，战士上场。
一直关注着老人的护士马上注意到，李政委搁在座椅扶手上的手瞬间抓紧，手背上青筋暴起。
她不由得暗暗叫苦，这算不算是情绪激动呢，如果她现在让李老离开影厅，多半会被一眼瞪回来吧。
那架势她见过一次之后，就再也不想见
护士在心里默默祈祷，漫天神佛保佑，后面千万不要有过于逼真惨烈的场景出现，她真的应付不来啊！
其实护士有些杞人忧天了，李玉成只是条件反射下的身体应激反应，怪只怪安晓峰把炮声的音效做得太过还原，罗宝河把硝烟的特效搞得过于写实。
高度追求真实的代价，就是习惯了神剧里一炮下去火焰连天效果的观众，反倒对只腾烟不冒火的“真正”炮击没什么感觉。
当初剧组在讨论特效呈现的时候，也曾纠结于“艺术”与“真实”之间的平衡。
最终选择“真实”路线的原因，也不是陈一鸣患有还原战史的强迫症，而是为了先抑后扬，进一步凸显榴弹炮齐射那一幕的震撼感。
从内部试映时的反馈来看，贯穿全片的炮击音效和烟雾特效，在“真实”的幌子下确实有所弱化，没有给观众带去太多负面影响。
米图看着占据大半个屏幕的炮击硝烟，听着隐隐炮声下两个主演与山顶哨兵的对话，居然并不觉得声音太吵或是画面太脏。